Diagonale'25 ­ Preisträger:innen - Programmschwerpunkt

,Was muss passieren, damit Sie Ihre Theorie nicht mehr glauben?‘ Mit dieser Frage beginnen zwei angehende Filmstudentinnen in Michael Gülzows Film Der tote Winkel der Wahrnehmung ihr Interview mit einem Verschwörungstheoretiker. Wir befinden uns im Wien des Jahres 1996, für einen Dokumentarfilm begeben sich Alina und Flora auf die Suche nach paranormalen Phänomenen. In zugänglicher, intelligenter und gleichzeitig humorvoller Art zeigt Gülzow die beiden bei der Produktion ihrer Aufnahmearbeit vor und hinter der Kamera. Dabei verknüpft er durch raffinierte Montagen Found Footage aus dieser Zeit mit selbst gefilmtem Material, um die Grenze zwischen Fiktionalem und Dokumentarischem aufzulösen. Durch die offensichtlich verwendeten Techniken vermeidet es der Filmemacher, Illusionen zu erzeugen, vielmehr dekonstruiert er die Mechanismen von Manipulation – und damit auch die Funktionsweise von Verschwörungsmythologien. Gerade heute, in einer Zeit, in der Fake News einen prägenden Einfluss haben und sowohl politisch als auch ideologisch genutzt werden, ist diese Thematik drängender denn je. In einer wirkungsvollen Glitch-Ästhetik und ohne Klischees zu bemühen, entwickelt Gülzow eine dichte Darstellung dessen, was von Aluhüten, Echsenmenschen und Mottenmännern zu erwarten wäre.

---

Josephine Ahnelt für lll

. Bester Kurzdokumentarfilm Jury: Anatol Bogendorfer, Bernhard Hetzenauer, Angelika Reitzer Begründung der Jury:

Das Sprechen über Krankheit – zumal die eigene und umso mehr eine so schwere wie die Krebsart Mantelzelllymphom – erfordert ein hohes Maß an Vertrauen des Betroffenen gegenüber dem Gegenüber. In der künstlerischen Arbeit bedeutet es eine große Verantwortung. Die Filmemacherin Josephine Ahnelt löst dies mit einer bestechend genauen filmischen Arbeit ein. Vom analogen Film kommend, wählt  Ahnelt ihre Drehformate immer gemäß den erzählerischen Notwendigkeiten und Möglichkeiten, mischt präzise kadrierte Filmbilder mit Videofragmenten und Selfies des Protagonisten, wobei sich die  unterschiedlichen Materialien erhellend und exakt zu einer größeren Filmerzählung zusammenfügen. Die Empathie und die Komplizenschaft, die die Regisseurin zu ihrem Protagonisten im Laufe des Films herstellt, machen diese Arbeit zu einem großen Geschenk. Albert Farkas ist ein entwaffnender und schonungslos humorvoller Protagonist, dessen Reflexion über die eigene Krankheitsgeschichte hinausweist. Dabei stellt lll auch Fragen zum Zusammenhang von Krankheit, transgenerationalen Traumata und dem Umgang damit innerhalb eines Freundeskreises. Dem Film gelingt es so, die tiefsinnigen Gedanken  des Protagonisten aufzugreifen und in eine ins Offene weisende, Hoffnung schöpfende Filmerzählung zu überführen, was ihn zu einem cineastischen Glücksfall macht!

Florentina Holzinger & Roland Stöttinger für MOND

. Diagonale-Schauspielpreis 2025 Jury: Ute Baumhackl, Christian Konrad, Maria Köstlinger, Johanna Orsini, Michael Sturminger . Bester Schnitt Jury: Hans Broich, Malika Rabahallah, Nele Wohlatz Begründuneng der Jurys:

Ihre Fähigkeit, Widersprüchliches in sich zu vereinen, also mit ihrer Präsenz schon alles rundherum in Frage zu stellen, macht Florentina Holzinger zu einer echten künstlerischen Ausnahmeerscheinung, die sich in ihrer eindrucksvollen Biografie in allen Genres – von Performance über Theater bis hin zur Oper – manifestiert hat. Jetzt ist sie in Kurdwin Ayubs Mond auch im Film gelandet: Die introvertierte Ausstrahlung und die verletzliche Resilienz, mit der sie die Kampfsportlerin Sarah zeichnet, sowie ihre besondere Fähigkeit, nicht sprechen und auch nicht spielen zu müssen, um uns an ihrem Innenleben teilhaben zu lassen, machen Florentina Holzinger für das Kino zu einer großartigen Protagonistin.

Scheinbar ohne großes Zögern fällt die Hauptfigur in Mond ihre Entscheidungen – und die Montage treibt uns gemeinsam mit ihr direkt von einer Szene in deren Konsequenz: Schon sind wir mittendrin, und wie ließe sich jetzt noch sagen: Was ist wahr, was ist richtig? Montage und Erzählung entsprechen auf präzise Weise in diesem außergewöhnlichen Film, der mehr Fragen stellt, als er Antworten gibt. Und obwohl die Reise am Ende nach Hause zurückführt, bleibt wenig Heldenhaftes an der Rückkehr.

. Beste künstlerische Bildgestaltung Dokumentarfilm . Bestes Sounddesign Dokumentarfilm Jury: Annett Busch, Stefan Neuberger, Christof Schertenleib Begründungen der Jury:

Die Kamera-Arbeit folgt der radikalen und klaren Entscheidung des Filmemachers: die der Hinwendung, die zugleich eine Abwendung bedeutet. Wem wird Aufmerksamkeit zuteil und wem nicht? Wie lässt sich die Arbeit jener zeigen, die sich um Alte und Tote kümmern, die die Würde des Einzelnen verteidigen, als Widerstand gegen die Logik des Krieges, der genau das vernichtet? Der Kamera gelingt es, in beengten Räumen, in denen physische Nähe unvermeidbar ist, jene notwendige Balance von respektvoller Nähe und nüchterner Distanz zu bewahren: Sie zeigt ein Sichtbarwerden von Körperpolitik als zwischenmenschliches Verhältnis. Die Bildgestaltung macht Verwundbarkeit sichtbar, Trauer, Erschöpfung, Durchhalten, Weitermachen und ermöglicht dabei einen erweiterten Blick auf den Angriffskrieg in der Ukraine.

,Wir müssen noch die Musik anmachen.‘ Ansonsten sei die Szene nicht wie sie sein solle. Ein Moment Pause wird eingefordert, bevor der Sarg aus der Leichenhalle getragen wird. Es ist der erste und einzige Moment zum Ende hin, in dem Musik auftaucht. Sound wird nie als Emotionsverstärker eingesetzt. Sirenen aus der Ferne warnen vor drohender Gefahr. Von der Volkstanzgruppe spricht die junge Beifahrerin im Leichentransporter. Musik als Erinnerung an eine Zeit vor dem Krieg. Der Intensität auf der Bildebene begegnet das Sounddesign mit Zurückhaltung und sensibilisiert so für die Geräusche der Räume und die Stimmen der Menschen. Zum Abspann erst entsteht aus zaghaft verdichteten Tönen eine Melodie.